布索尼《卡門主題幻想曲》的交響性特征及其演奏探析

謝垚玨

摘要：費魯契奧.布索尼是19世紀與20世紀之交意大利浪漫主義時期最后的典型人物之一，也是新古典主義者的先驅人物，歐洲音樂節頗具影響力的作曲家、音樂革新家。1920年，作曲家布索尼通過對歌劇《卡門》這一經典題材的藝術特色進行探究，從而改編成鋼琴作品《卡門主題幻想曲》。本文將通過對布索尼的鋼琴作品《卡門主題幻想曲》中所體現出的交響性進行研究分析，并探究如何在鋼琴作品中實現“交響性”這一原則。

關鍵詞：《卡門主題幻想曲》 ;交響性;鋼琴演奏

一、布索尼《卡門主題幻想曲》的背景介紹

《卡門主題幻想曲》是最早是浪漫主義時期法國作曲家比才根據法國現實主義作家普羅斯佩·梅里美的長篇小說《嘉爾曼》的劇情進行編排創作了歌劇《卡門》。作為法國歌劇的典型代表作品，布索尼在改編的過程中最大程度地保留了比才在歌劇上對管弦配器的音響效果，將鋼琴的交響性發揮到了極致，并把歌劇《卡門》最為著名的幾段具有西班牙獨特異域風情的旋律和經典唱段濃縮進鋼琴作品《卡門主題幻想曲》之中

二、布索尼《卡門主題幻想曲》的交響性探析

《卡門主題幻想曲》作為布索尼晚期的作品，作品的改編既有浪漫主義那種細膩而豐富的敢于表達主觀情感個性特征，同時也蘊含著新古典主義時期的特征。例如注重對情感的權衡把握，音樂真實感人，追求穩定的理性的音樂，與新古典這一時期所提出的“返回巴赫”的音樂主張相一致，在作品中也不難看出布索尼對巴赫的崇拜和對李斯特鋼琴華麗的技法的深入理解。同時作品中也將西班牙許多有特點的民族風格的旋律和獨特節拍，布索尼牢牢地抓住了歌劇《卡門》旋律音調的特點，通過對歌劇配器中音色的模仿、樂句的對話以及聲部的進行等多樣化的模擬方式，使其融會貫通地以一種統一的形式在鋼琴演奏中得以展現，從而實現鋼琴的交響性。

（一）音樂形象模仿中的交響性

音樂形象的模仿是能否正確處理聲部旋律層次，展現作曲家對于鋼琴屬性上的把握和對原作歌劇的認識一大重要方面;同時也是對“交響性”這一藝術原則運用的主要體現，聲部的編排的塑造對作品本身有著至關重要的作用，從音樂形象的模仿上體現了作曲家“交響性”思維。

1.源自詠嘆調《花之歌》的交響性

布索尼鋼琴作品《卡門主題幻想曲》中的80-89小節片段，是《卡門》中最為經典的音樂橋段之一。男主人公唐霍塞因私自放走女主人公卡門而入獄，出獄后找到卡門，因歸隊的號角聲一事使卡門懊惱生氣，之后唐霍塞為表達自己對卡門的心意，唱出了《花之歌》這么一首發自肺腑感人至深的詠嘆調。

該段開始是在降D大調上進行陳述，行板的速度，結構上并非按照傳統詠嘆調節奏對稱來進行創作，詠嘆調旋律聲部左右手交替進行。伴奏聲部保持平穩根據情緒的起伏推動上行下行，多變化音，使音樂的和聲變得豐滿，也在鋼琴上盡可能做到模擬弦樂的效果。大提琴非常適合用于表達綿長不張揚的樂句，因此該段的旋律意在模擬大提琴低調而內斂的表達，自然淳樸的表達，仿佛一個紳士般徐徐地道來自己心底里的話語。

它并不是作為女性表達情感的方式出現，沒有歇斯底里和華麗炫技，而是靜靜地傾訴自己的內心，不去宣揚不去發泄，而是以一種男性表達情感的方式進行展現。偏向于自然地演奏方式，作曲家在這里參考了大提琴的音色特點進行該段的旋律編寫，且該段也是整部作品中的唯一抒情片段，就像去追求最為原始最為真摯的內心，干凈自然地表達方式最為動人，從中也可以看出布索尼本人高尚的品味和對作品的理解。一段感情中最為高貴的，便是內心。是不夸張不嘩眾取寵的表達，柔和黯淡的憂傷卻真誠地打動每一個聽眾。因而該段中真正要去下功夫的是如何讓你的音樂情感有足夠魅力使人融入進故事情境里。

2、源自詠嘆調《愛情是一只自由的小小鳥》的交響性

作品110-132小節片段素材來源于《卡門》里最為經典的橋段之一——《愛情是一只自由的小小鳥》，源于非洲的黑人舞蹈“哈巴涅拉”舞曲，布索尼在這一部分的改編體現了他高超的作曲技法，在這一段中保留了西班牙獨具特色的舞步節奏風格以及三連音的下行半音階的特點，不僅體現了民族性，同時也將卡門放蕩，不羈追求自由的人物形象充分展示。調式調性為降D大調，一開始該樂段一開始同時廣泛地運用和弦，4小節一個樂句，左手保持鮮明的節奏型，帶有附點節奏，類似探戈，兩個樂句以后出現了樂句間對話，左右手分別對旋律進行詮釋，以錯位的方式使樂句間呈現一問一答的形式特點。

（二）音樂情緒轉折中的交響性

在鋼琴作品中，將許多戲劇性情節串聯應該是作曲家相當棘手的一個問題，這不僅考驗作曲家對作品的理解，更是涉及到作曲家的“交響性”思維這一核心問題。作為一部濃縮性改編的鋼琴作品，為了音樂情緒的轉折恰到好處，布索尼在配器上有著自己獨特的思考，也合理地運用鋼琴作曲技巧來進行表達。

作品107-109小節，和弦運用了八度的震音效果，猶如中低音提琴般的緊張急促，充滿懸念的鋪墊。同時代表了飄忽而神秘之感，給音樂片段以一種轉折的形式進入下一片段，很好地進行了連接，也使和聲的色彩性越來越豐富。

三、演奏者如何在鋼琴演奏中體現“交響性”原則

（一）建立“交響性”思維

“交響性”這一藝術原則一開始是在交響音樂的方向上發展起來的。最初“交響性”也只是運用于交響作品中，隨著李斯特對鋼琴技術的逐步挖掘，鋼琴極大程度地發揮了自深的潛能。

盡管“交響性”這一原則在音樂的方方面面都有所體現，但是實際上演奏者想在鋼琴上實現這一點很難。首先從音樂分析的角度來入手，了解音樂結構上的和聲布局，和弦運用等方面來進行思考，作曲家所要表達的音樂情境和音響效果究竟是什么。因而建立“交響性”思維并不是一件輕松容易的事，要演奏者具有過硬的專業能力和鉆研譜子的細致耐心以及獨到的專業見解，并熟知交響樂團各個樂器的音色特點學會如何去運用和模擬來塑造音樂形象。

（二）細膩的觸鍵變化以及音色控制

細膩而精致的演奏離不開演奏家對音色上精準的控制和獨到的見解。

首先，演奏者需要對曲子有透徹的了解。著名鋼琴家席夫曾說：“回到源頭，盡可能多地了解背景知識是非常重要的。但我們必須在知識和本能之間找到正確的平衡。本能和靈感必須占主導地位，但知識不會對這兩者造成傷害?！奔匆钊氲厝パ芯吭鞲鑴　犊ㄩT》本身音樂及其交響性本質。

其次，讀懂譜子。在音樂表現上，第一要能將譜面上看得到的東西做的精確，第二是思考符不符合作曲家的創作原意，再來就是用自己的方式（個性）進行敘述，但無論無何都不應該擅自主張地完全使自己的個性凌駕于作曲家的意識之上;就需要演奏者對于內心情感的控制和合理表達，過于夸張做作的表演引發不了共鳴。

實現以上兩點，真正將譜子“吃透了”是演奏者能夠合理地運用不同的方式方法來達到自己想要的音響效果的必經途徑。鋼琴的完美在于它能盡可能多地通過音色的控制、精準的把握來達到音樂色彩和情感的變化，這也需要演奏者更多地是學會如何思考，學會宏觀地來看待作品本身藝術價值。音色的合理運用離不開演奏者敏感且細膩的觸鍵變化，而這兩者與演奏者是否具備“交響性”思維又相互聯系。

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