2019年惠特尼雙年展

陸夢嘉

2019年惠特尼雙年展

2019.5.17—2019.9.22

惠特尼美術館

2019年5月17日，惠特尼雙年展（WhitneyBiennial）在紐約開幕。每兩年，美國紐約惠特尼美術館（WhitneyMuseumofAmericanArt）就會對美國當下的藝術創作進行調查，將征集到的優秀作品在展覽中陳列。這一項工作自1932年實施起，已經持續了近一個世紀之久。美術館透過藝術的濾鏡，總結著美國公眾的普遍憂慮、矛盾和質疑。

本屆雙年展由兩名敏銳的女性青年策展人魯耶科·霍克尼（RujekoHockley）和簡·帕內塔（JanePanetta）組織。她們在參觀訪問了數以百計的藝術家工作室之后，挑選了七十五位青年藝術家，其中過半數是女性藝術家，超過四分之三的藝術家年齡在四十周歲以下。著力展示了當前最具有思考力和實驗性的作品，探索著今日語境下，關于性別、種族、平等等問題的新理解，試圖通過新藝術的力量來定義“今日”。因此，她們在訪談中不斷強調關于“時間”對于展覽策劃的重要性，旨在通過集合多類型、多方面的作品直率地揭示今日美國的現狀，力圖為美國未來的發展提出政治與美學的新策略。在策展人宣言中，她們提到惠特尼的首要任務就是為公眾打開無限的議題。展覽利用歷史作為媒介，充分地重新總結當下，想象未來。

相較于以往的展覽，2019年的雙年展似乎更加偏向于展示有色人種、女性群體和最新嶄露頭角的青年藝術家。這些作品呈現了藝術家們對于當前社會、政治的不同理解。策展人以藝術家作為游觀世界的基點，將作品如日月星辰般，擺放在展覽館各處，作品與作品之間無形中產生著關聯，引發公眾思考個體與整體，個人與社會應有的關系。從藝術作品的形式上來看，本次展覽似乎拒絕了各種奇異科技、數碼特色的當代藝術作品，反而轉向了看似更為樸實和保守的雕塑、繪畫、裝置、攝影等，且并不青睞于某一種特定媒材。策展人似乎更青睞執著于“手作或是冷靜觀察如同“敘事者”身份的藝術家，通過展現出更多藝術家個人化的特色，以此來反應社會。

在雙年展前夕，四名參展藝術家寇拉克里·阿讓諾度才（KorakritArunanondchai）、瑪利亞姆·本納尼（MeriemBennani）、妮可·艾森曼（NicoleEisenman）、尼古拉斯·加蘭寧（NicholasGalanin），為了表達博物館沒有解決員工、藝術家和社會行動者對惠特尼副主席沃倫·坎德斯（WarrenKanders）作為催淚彈和其他鎮壓武器制造商CEO的不滿，他們聯合簽署了一封致雙年展策展人的信，并在《藝術論壇》（ArtForum）上公開，要求將他們的作品撤下，聲稱拒絕與坎德斯和暴力科技共謀。開展后一個半月之內，陸續又有四名藝術家克里斯汀·孫·金（ChristineSunKim）、艾迪·阿羅約（EddieArroyo）阿古斯蒂娜·伍德蓋特（AgustinaWoodgate）以及法證建筑（ForensicArchitecture）宣布退出惠特尼雙年展。7月25日，爭議中心人物坎德斯宣布辭去惠特尼美術館董事會副主席一職。最新消息是，這八位藝術家計劃撤銷退出雙年展的決定，并將作品留在惠特尼美術館內。

連接時間

整個展館中的作品都基于對“時間”的再度思量，以自己的藝術之光，點亮了觀眾對美國“今日”的關注。最為直抒胸臆、揭示“時間”故事的，當屬來自邁阿密的概念藝術家阿古斯蒂娜·伍德蓋特（AgustinaWoodgate）的《國家時代》》（NationalTimes）。這是一件由閉合電路構成的大型時鐘裝置作品，它被單獨陳列在美術館最醒目的位置。在這件作品中，單獨的數碼時鐘會發射信號到另一組時鐘，兩組時鐘同步運行，這仿佛模擬了機構之間權力和勞動力的某種動態聯系。藝術家認為自工業革命開始之后，機構間的“主從”關系從未停止，這種系統結構依舊存在著。藝術家認為歷史的關系始終跟隨著時間，且始終圍繞著勞動力和權力控制，而藝術便是揭示這種固有不變關系的鑰匙?？萍几淖冎?，但是權力的不平等，并沒有隨之消散。

重塑歷史

反思當下文化發展，也需要重新理解歷史。哥倫比亞藝術家加拉·波拉斯-金（GalaPorras-Kim）利用一種非語言的方式再次研究碑刻，研究其內在的精神價值。她嘗試利用考古學的邏輯去尋找一種視覺語言，引發觀眾思考古代語言在當代能否被真正解譯，歷史文化能否被真正理解。藝術家通過研究在愛比-奧爾梅克經文（Epi-OImecscript）上不可翻譯的文字反思了文字的形式構成及文化的意義。

同樣是利用新形式討論過去的議題，作為古根海姆HugoBoss大獎的得主，西蒙娜·李（SimoneLeigh）利用雕塑重新詮釋了黑人歷史和女性人體的關系，成為雙年展上最引人注目的作品之一。她的靈感主要來源于古代埃及、傳統西亞雕塑、美國本土建筑和手工藝品?；趯ξ幕瘋鹘y和歷史知識的理解，她利用青銅和陶瓷，重新構建著材料與形式的關系，并且站在黑人女性的立場上，以當代的視角重新回應了女性身體作為媒介一這個似乎過時的議題。她復雜且略帶矛盾的創作研究，向觀眾傳達了一位黑人女性藝術家對社會的觀察和對歷史的深度思考。

馬修·安吉洛·哈里森（MatthewAngeloHarrison）則將當代科技、多元材料和技術融合，創造出混合材質形式的雕塑作品。在這組作品中，藝術家聯系了非洲、美國非洲文化以及身份的問題，他的作品中甚至包含了某些原始部落的真實遺跡，巧妙地將過去與當代連接。他將木頭、金屬材料融入長方形的樹脂中。木頭、鐵器的斑駁質感和樹脂的晶瑩剔透相得益彰。樹脂外殼仿佛是這些遺跡的展示容器，古老藝術正在被珍貴地崇拜著。如同被凝固于相片中的機械圖騰，暗示著21世紀科技與工藝的力量，人造機械力將藝術工藝推上了新高度，甚至可以將過去的時光凝固在“當代”容器中。作品的內容、材料、技術共同隱喻了當代科技與過去技藝的融合與不融合——形式美可以融合，但是重新建構當代作品卻已不僅僅體現在非洲土著文化的意義了，而轉化為了一個被包裹著外殼，拿來欣賞、討論、反思的文化，那么這個群體的后代與文化之根存在于哪里？

記憶傷痕

詮釋時間的方式，還體現在對于記憶的收集和揭露。然而這些可以觸動人心的記憶，往往攜帶著懷疑、矛盾、焦慮和疼痛的。喬西·克萊恩（JoshKline）則借助于科技來揭露傷痕，不單單局限于紀錄和反思時間和歷史。他將照片放置在淺色玻璃罩之后，讓照片浸泡在水中，利用LED燈將玻璃罩點亮，朦朧地展示照片中的內容。在這組作品中，藝術家將關注指向當代災難性的環境變化和其系統性的因由。玻璃罩中翻滾的水珠和水蒸氣反復暗示著變化莫測的氣候和人類受到的傷害。在藝術家看來，水似乎可以沖刷圖像中彌留的創傷記憶和噩夢，未來還沒有發生，但它卻是被今日所塑造的。

埃莉·加（EllieGa）的影像裝置展現了藝術家拍攝的數以百計的透明照片。她把照片展示在燈光平板上，用手抹去之后，再放置另一張。她用自己的聲音講述了海洋螺旋形巨浪引起的人類廢棄物轉移上岸的問題。藝術家采訪了2011年日本大海嘯后的流浪漢，記錄在希臘愛情海島嶼間研究祭祀儀式和遷移歷史的集裝箱泄漏殘骸的海洋學者。她的作品結合了歷史、調查研究報告、個人自傳等形式，讓觀眾在不斷切換的照片、影像、聲音間，了解氣候變化和環境污染的嚴重性。

記憶也存留于對歷史新聞事件的重新喚起。亞歷山德拉·貝爾（AlexandraBell）參考了《紐約日報》（NewYorkDaily）聲名狼藉的1989年中央公園有色人種性侵白人女性事件，制作了一系列影拓石板、絲網印刷作品，批判美國新聞業語言上的種族暴力。

象征表層

作品的事件性喚醒并非僅限于直抒胸臆的表現方式，也可存在于將藝術形式元素進行不同組合，利用象征化的藝術語言組合，體現出時間感。休斯頓藝術家托馬士·杰克遜（TomashiJackson）熱衷運用各種日常材料制作抽象作品，如紙袋、食物包裝、乙烯材料、雨蓬等現代材料作為參考。他作品中的歷史性和社會性元素，往往來自于這些材料本身。當走近作品時，觀眾會隱約間看到材料上的文字與圖案，從顏色與物質的角度引導著觀眾對創傷事件的深度思考。

瑞根·莫斯（RagenMoss）的漂浮式雕塑更加突出了藝術家對材料媒介的探索。一系列非規則性的透明雕塑，表現了藝術家對于光感、形體、空間和質感的定義。莫斯曾經這樣解釋她對雕塑的熱忱，“我想要創造一種雕塑，它教導著我們空間化人類”。透明雕塑疏離而整齊的排列，無形中讓觀眾思考空間和個體的關系。在雕塑的表面上，藝術家結合了手工雕刻技術、文本、圖案等形式，文本的內容大多來自于文學和法律，借以如小說般反映每日的生活和人們所處的時代。

艾曼·伊沙（ImanIssa）的遺產研究（HeritageStudies）項目是基于藝術家冷靜觀察世界之后，結合考古學和人種學完成的抽象創作。作品時常采用涂色的木頭、黃銅、銅板等材料，創造出類似于考古學靈感的物件質感。雕塑往往伴隨著文本的象征意，更多地強調著作品的歷史性，及其與當代文化的關聯。

今日時間

此外，有些作品的“今日感”，則體現在綜合形式的運用上，例如瓦格?！つ穲D（WangechiMutubu）的旋轉雕塑《停止標記》（Sentinal），梅里姆·本納尼（MeriemBennani）的“公園式”影片景觀裝置《使命的悲哀》（MissionTeens）等。

綜合來看，2019年惠特尼雙年展似乎在利用一種“反奇異”的語調，讓藝術樸質、冷靜地反思“今日”的美國社會。展覽并沒有體現出某一種政治論調或是美學偏愛，只是始終單純圍繞著“時間”進行思考，力圖從歷史的角度出發，總結現有藝術的發展，以及引發公眾對于美學形式、身份、性別等議題的

再認識。