暗黑的誘惑：澳大利亞歌劇院再現莫扎特經典歌劇《唐璜》

蔡菁

澳大利亞歌劇院不久前上演了蘇格蘭著名導演大衛·麥克維卡（David McVicar）執導的莫扎特經典歌劇“唐璜》。本輪制作特別邀請了中國著名指揮家許忠擔任指揮，在他的帶領下，一場場精妙絕倫的音樂盛宴在悉尼歌劇院的瓊·薩瑟蘭劇場呈現。雖然趕上新冠肺炎爆發和悉尼連日暴雨，仍然未能阻擋悉尼觀眾對歌劇的熱愛和對該版本的期待。值得一提的是，其中不乏亞洲觀眾，澳大利亞歌劇院在其社交媒體臉書（Facebook）賬號中也真實記錄下每晚來觀看這部歌劇的多元受眾景象，似乎傳遞出這部由中國指揮家執棒的澳大利亞制作所具有的特殊意義：不論何時，藝術都會將人們聯結在一起，并通過融匯各種不同的文化來推動人類精神文明的進步。

《唐璜》是世界各大劇院的常演劇目之一，與莫扎特另外兩部名作《魔笛》和“費加羅的婚禮》并駕齊驅。近幾年，《唐璜》的制作和演出數量雖不及后兩者，但它的藝術成就和歷史地位無法撼動。該劇取材于中世紀西班牙放蕩貴族青年唐璜的傳說，劇作家洛倫佐·達·蓬特（Lorenzo Da Ponte）是根據另一位劇作家喬瓦尼·貝爾塔蒂（GiovanniBertati）的同題材歌劇腳本進行改編的，由于時間匆忙，達·蓬特的原稿存在很多拼寫錯誤。所以，人們普遍認為是莫扎特的音樂最終成就了這部杰作，作曲家將極富爭議、淫亂無情且作惡多端的浪蕩子唐璜，提升到浪漫主義的高度——直到生命最后一刻都拒絕悔過的悲情“英雄”。今天，在“#我也是”（#MeToo）運動所引領的廣泛譴責性侵犯和性騷擾行為的時代背景下，再看歌劇《唐璜》似乎更具強烈的現實意義。這樣一個玩弄女性的慣犯緣何有勇氣站在大眾和道德的對立面？支撐他無畏、無懼、無悔的本質到底是什么？澳大利亞歌劇院的《唐璜》和我們一起尋找著這些答案。

導演麥克維卡為澳大利亞歌劇院制作的這一版《唐璜》首演于2014年，他將該劇設置在啟蒙時代結束，浪漫主義開始的時期，主要探討了道德、復仇和悔悟的主題。此次復排由馬修·巴克萊（MathewBa rclav）執導，三個半小時的演出雖然很長但張弛有度、劇情緊湊。該劇融合了大量喜劇和戲劇元素，時常引發著觀眾的笑聲。同時，悲劇的情緒一直暗流涌動、主導全劇，并在最后一刻唐璜之死時到達頂點，與過往歡樂嬉鬧的場面形成強烈對比，令人震撼。羅伯特·瓊斯（Robert Jones）的舞美和服裝設計受到維也納哥特式暗黑風格的啟發，呈現了一幅統一的灰色壯美畫卷。布景充分考慮了死亡這一主題，時而可見的棺木和頭骨有一種陰冷和腐朽的地獄意味，預示著喜劇的另一面是悲劇。另外，可升降移動的柱子、樓梯和墻面給劇中人物提供了很多戲劇表演的空間，并將縱深的舞臺隨劇情變化切割成遠、中、近等不同場景，給觀眾極為豐富的視覺體驗。服裝基本通過黑、白、灰三個主要色調來構建層次感，并通過刺繡和面料的光感等細節來突出這種層次感和服裝質感。所以，雖然舞臺的整體基調是灰暗和陰郁的，但在視覺上并不感覺暗淡。達到這樣的效果當然離不開燈光設計師大衛·芬恩（David Finn）的貢獻，他為這個灰暗的世界帶來了恰到好處的光明，令一切都是那么真實可信，是舞美設計得以有效表達的關鍵。

在演員方面，不得不承認澳大利亞是一個盛產好歌手和好聲音的國度。從內莉·梅爾巴（Nellie Melba，1886-1931）到瓊·薩瑟蘭（JoanSutherland，1926-2010），澳大利亞歌唱家曾是世界各大劇院不可或缺的品質保證。如今在澳大利亞，和有限數量的劇院及演出相比，優秀的歌唱家和音樂家明顯更多，所以有些人去其他國家以謀求更可靠的職業發展，還有一些人則在現有環境下努力給藝術家群體創造更多的表演機會，于是就出現了小型歌劇團體層出不窮的現象。澳大利亞在文化政策上提倡各劇院優先雇傭本國藝術家，澳大利亞歌劇院也不例外。

此次《唐璜》的演出陣容雖然由意大利男中音歌唱家盧卡·米凱萊蒂（Luca Micheletti）領銜主演唐璜一角，但大部分演員還是來自澳大利亞本土。米凱萊蒂在劇中塑造了一個強勢、傲慢、險惡的感情騙子和強奸犯。他的聲音和演唱無懈可擊，甚至他的表演也是值得稱贊的，尤其在他被性欲充斥，極盡所能誘惑、強暴他的“獵物”時，他表現出了極端自我和強硬兇險的一面。不過，米凱萊蒂作為唐璜有一個問題在于，他本人擁有很濃的憂郁氣質，這種氣質讓唐璜的玩世不恭和頑劣放蕩多少有所壓抑，偶爾還會讓人產生疑問，他真的是那個劣跡斑斑、毫無顧忌的壞男人嗎？不過，也因為他的這種憂郁特質，使得最后唐璜因拒絕悔過而被拖進地獄時的悲劇力量更強、更具沖擊力。

此外，除了米凱萊蒂個人氣質的因素，唐璜的仆人萊波雷洛的扮演者一一澳大利亞低男中音肖恩·勞倫斯夫（Shane Lowrencev）也搶走了唐璜的一些“高光時刻”。勞倫斯夫的身材非常高大，他在演出中表現了無限的活力，比他的主人唐璜多了幾分調皮和滑稽，一些看似笨拙的小動作設計讓這個人物變得更加鮮活，很容易取悅觀眾、贏得人心。另外，勞倫斯夫也是少數幾個參與過首輪演出的演員之一，他對該角色的刻畫顯然更加得心應手，把一個有點老實又有一點壞心思的復雜小人物演繹得惟妙惟肖。他的演唱整體不錯，尤其是他手拿記錄本細數有多少女人被唐璜征服欺騙的詠嘆調很精彩，但總的來說他的表演要比他的演唱更加優秀。

本次演出中，被唐璜誘騙的三位女性在舞臺上都十分耀眼。她們遭遇不同、性格迥異，給觀眾展現了三種截然不同的愛情觀和人生觀。如果以現代視角來解讀這三個人物，我認為服裝設計師通過她們各自服裝的顏色已經為她們進行了劃分和定義，即灰色的唐娜·安娜、黑色的唐娜·艾爾維拉和白色的采琳娜?；疑奶颇取ぐ材仁抢碇桥缘幕?，她對于真相有自己的判斷，對于責任有所擔當。出生于悉尼的女高音埃莉諾·里昂斯（Eleanor Lvons）經過多年旅居海外的職業生涯后，迎來了她的本國首秀，她的聲音很強大，有金屬般的穿透力，某種程度上賦予了這個角色為父報仇的決心和伸張正義的力量。黑色的艾爾維拉對愛情有神圣的信仰，可以為愛不顧一切，明知被欺騙還抱有一份浪子回頭的期待。黑色是嚴肅的，也是悲哀的，艾爾維拉對愛情的專一和認真恰巧與唐璜的好色、處處留情形成了鮮明對比，這種對比放大了她的悲情，而她的嚴肅在觀眾看來常常顯得是那么的荒誕可笑。艾爾維拉由澳大利亞女高音簡·埃德（Jane Ede）扮演，她的聲音優美而平滑，高音很漂亮、舒服。白色的農家女孩采琳娜是該版本所有角色中最為獨特和動人的詮釋，她是天真而脆弱的，不管是被唐璜誘騙還是向愛人表達情欲，所有關于“性”的暗示都被她成功轉化為關于“愛”的誓言，讓人禁不住發自內心地憐惜和疼愛她。這也讓澳大利亞女中音安娜·道斯利（Anna Dowsley）的歌聲聽起來特別地溫暖而柔美，同時道斯利身材高挑而纖細，她的表演真實感很強，使得舞臺上的采琳娜楚楚動人，讓人確信她就是采琳娜。如果說，三位澳大利亞女演員的總體表現比男演員更加突出的話，道斯利則是這三位中最具有辨識度和明星特質的演員。

其他主要演員的演唱和表演與整體演出水準保持一致。一心為未婚妻唐娜·安娜的父親復仇的奧塔維亞由出生于西班牙的男高音胡安·德迪奧斯·馬特奧（Juan de Dios Mateo）飾演，在充滿男中、低聲部的舞臺上，他清亮、干凈而透明的聲音更顯高亢，聲聲入耳，直擊觀眾心弦。采琳娜的戀人馬塞托由澳大利亞男低音理查德·安德森（Richard Anderson）飾演，他塑造了一個粗魯、懦弱又嫉妒心強的男性形象。另外，唐娜·安娜的父親也是最后送唐璜下地獄的石像，由根納季·杜賓斯基（Gennadi DubinsKv）扮演，他早年由俄羅斯移居澳大利亞，并從此活躍在澳大利亞各地的歌劇舞臺上。他的聲音一如既往地堅實有力，加上他魁偉的身材，充分彰顯正義之威嚴。當他把唐璜拉進地獄的瞬間，一群舞蹈演員扮演的幽靈和鬼魂裹挾著拒不悔改的男主角消失在一片狼藉的舞臺，這一幕驚悚得令人室息。以至于之后的合唱開始時，仍然讓人無法忘卻、心有余悸。唐璜之死讓我不禁聯想到卡門之死，巧的是與《唐璜》同期上演的正是澳大利亞歌劇院的另一部歌劇《卡門》。放蕩不羈和極端自我是他們共同的標簽，但卡門的死是建立在忠于自我、不違背個人愛情的意愿之上，而唐璜的死則是建立在繼續行惡、侵犯他人的基礎上。本質上，前者令人敬畏，而后者使人畏懼。導演麥克維卡最終并沒有告訴我們唐璜為什么要這樣做，似乎作曲家和劇作家對此也沒有答案，對觀眾來說，最重要的是如何解讀唐璜和唐璜這一類人。而該制作的所有設計和細節似乎都指向了一點，那就是所有的惡行必會結出惡果，死亡將是這一切最終的歸宿。

首次與澳大利亞歌劇院合作的中國指揮家許忠與該劇院的樂團、合唱團配合十分默契，他帶領樂團穩定而有效地呈現了莫扎特的音樂，節奏輕快、活潑而敏銳，處處釋放著靈動和自由的氣息。同時，許忠對戲劇的解讀是細膩而敏感的，他嚴密把握著舞臺上的一舉一動，并和他的樂隊一起為戲劇加碼、助力。因此，整個演出的各部分都十分平衡、和諧地統一在一起，形成了有機的藝術整體。和澳大利亞歌劇院大部分制作一樣，《唐璜》體現了其一貫高品質的藝術追求和藝術表達的能力。作為澳大利亞規模最大的歌劇院，雖然其駐院場地悉尼歌劇院和曾經長期合作的藝術家瓊·薩瑟蘭為它帶來了不少國際聲譽，但澳大利亞歌劇院真正的制作實力常常被低估。很少有人知道，它是目前世界上最繁忙的歌劇院之一，全年演出超過600場，而且它的經費大部分來自票房，占總資金的50%以上。如此大體量、高質量的演出安排著實不易，但對澳大利亞觀眾來說的確是非常幸福的事。